Для тех, кто читать не привык - проходите мимо. Реально ребята, идите дальше по делам, не тратте время! ))) Ланч для тех, кто хочет узнать что-то новое или интересное лично для себя. Дело в том, что я люблю читать исключительно те книги, которые несут в себе практические знания. Во время прочтения я люблю конспектировать материал, делая краткие (насколько это возможно) выжимки. Не каждый может осилить целую книгу, но, иногда, достаточно просто поделиться интересным конспектом! Поэтому, на сей раз, (и с этой строчки, пожалуйста, читаем очень внимательно до конца предложения) здесь будут НЕ МОИ МЫСЛИ, а цитаты и выдержки из книги "Формула самой крутой песни на свете - Лекс Плотников". Кому хочется подискутировать о плагиате, дружно перечитываем второе предложение этого ланча! ))) Остальные, поехали:
Учитывая, что образ мыслей моего собеседника, равно как и его подход к делу, были мне хорошо знакомы, я рискнул дать ему маленький совет: «Все дело в том, что ты хочешь (написать) песню, в то время как куда более действенно написать (песню). Ты делаешь своей целью какую-то абстракцию, и толком сам не знаешь куда идти. Тебе будет гораздо проще справиться с творческим кризисом если ты сначала задашь себе вопрос «что?», а только потом «как?».
Вопреки устоявшемуся мнению, работа над произведением начинается вовсе не в тот момент, когда вы берете в руки музыкальный инструмент и начинаете извлекать из него звуки. На самом деле все всегда начинается с идеи. Странное дело, но архитекторы или врачи, в отличие от музыкантов, почему-то не забывают об этом этапе работы. Ведь и впрямь, никому никогда в жизни не пришла бы в голову мысль подкатить на строительную площадку самосвал с кирпичами, а потом выкладывать их разнообразными кучками с тем, чтобы опытным путем построить здание.
Рассказывая о том, о сем, их лидер Дэн Свано как бы вскользь упомянул, что его группа всегда относилась к тем коллективам, которые стараются заранее определить количество и характер песен, которые войдут в будущий альбом. Это звучало так очевидно и настолько отличалось от тех методов, которыми пользовались все мои знакомые музыканты, что я постарался немедленно взять такую тактику на вооружение.
У одного моего друга, замечательного электронного музыканта и звукорежиссера была в свое время такая беда. Он начинал сочинять электронную композицию, отталкиваясь от звука. В таких жанрах, как psychedelic trance и full-on очень важен качественный современный саунд. И мой друг начинал с того, что находил интересные электронные звуки, а затем использовал их в качестве строительного материала для будущей композиции.
В результате такого подхода на свет появлялось произведение, напоминающее по структуре лоскутное одеяло. Вступление создавало красивую инопланетную атмосферу, в нем воплотилось величие бескрайнего космоса, глобальность и нерушимость. Далее следовала музыкальная тема, моментально уносящая слушателя куда-то в леса северной Европы. Ее сменял следующий фрагмент, жесткий и урбанистический, близкий по духу творениям BT. Затем шло нечто веселое и оптимистичное. Так продолжалось в течение почти десяти минут и, как правило, ничем не заканчивалось. Каждая часть по отдельности была безусловным шедевром, но все вместе они превращались в одну большую бессмыслицу.
Если вы нашли красивый звук, сэмпл или эффект, то это значит, что у вас появилось еще одно выразительное средство для более полного воплощения своих музыкальных проектов. Может статься, какой-то интересный инструмент вдохновит вас на создание сюжета для новой песни. Бывает, у вас есть не до конца сформировавшаяся идея, и новые тембры помогают яснее ее понять. Но сделать звук основой произведения - дело крайне неблагодарное.
Никакие звуки и фишки не смогут сделать из вашей песни хит на все времена. Все они не более чем средства. И если в композиции нет крепкой и яркой основы, то участь ее незавидна.
Но не стоит забывать о том, что при движении к цели первоосновой является именно цель, а не движение. Когда какой-либо хозяйке хочется сделать блюдо из капусты, то она сначала изучает рецепт, а лишь затем шинкует овощи. Лично я, например, ни разу в жизни не видел, чтобы кто-то поджарил на сковороде лук, а потом вдруг пустился бы в размышления о его возможной дальнейшей судьбе. Сначала цель, затем средства.
Попробуйте ради эксперимента очистить голову от всяких мыслей, а затем произнести вслух все то, что у вас на уме. Возьмите карандаш и попытайтесь нарисовать то, о чем вы не имеете ни малейшего понятия. Как вы думаете, что случится, если вы сходите куда-нибудь для того, чтобы найти нечто, и сделать с этим нечто что-нибудь эдакое? Во всех случаях результат, скорее всего, будет никакой.
Та же самая участь постигнет любые ваши старания в попытке написать новую песню, и единственный способ избежать ее - заранее определить цель, к которой вы стремитесь.
Жанр:
Для начала определитесь с тем, что вы хотите сказать. А уже после подбирайте слова.
В своей жизни я посвятил немало времени как изучению музыки, так и живописи. Поэтому давно подметил массу закономерностей, характерных для каждого из этих видов искусства. Смею предположить, что подобная схема действует при решении любой задачи, с которыми так или иначе предстоит иметь дело человеку. Хотя, разумеется, у каждой деятельности своя специфика.
... для начала, не мешало бы схематично набросать общий план, а уже после... творческий процесс увеличился на целый этап, я был рад перспективе качественно доделывать свою работу и не опасаться неприятных сюрпризов...
Вторым неоспоримым достоинством данного метода была возможность заранее, пусть и в общих чертах, оценить общее состояние будущей иллюстрации. И если в композиции находились элементы, которые плохо вписывались в общую картину, их можно было быстро и безболезненно подтереть, заменить более подходящими.
Философы, мыслители, да и просто обычные смертные, у которых есть голова на плечах, с древнейших времен советовали идти «от общего, к частному». Следуя этому простому и логичному принципу, всю работу следовало разбивать на несколько этапов, а оные этапы дробить на еще более мелкие этапы, те - на еще более мелкие, и так поступать до тех пор, пока вы не сможете легко и непринужденно выполнить каждый из пунктов плана.
схематический план элементов песни дает возможность определить точный маршрут движения от первых звуков вступления до самой последней ноты. Более того, заранее делая для себя такой план, вы избавляетесь от возможности попасть в «тупик неизвестности».
----------
Тупик неизвестности:
Каждому начинающему композитору знакомо это неприятное ощущение. Вы сочиняете блистательную пьесу, развиваете музыкальную тему и вдруг, дойдя до определенного места, словно натыкаетесь на стену.
Что делать дальше? Как быть? Куда двигаться?!
Решение проблемы, на самом деле, бесстыдно простое, поскольку пресловутый «тупик неизвестности» подчиняется тем же правилам, что и обыкновенный городской тупик. У вас не будет возможности застрять в нем, если под рукой есть карта и маршрут движения из точки A в точку B. Даже если в дороге вы решили немного отклониться от намеченного пути с тем, чтобы окинуть взглядом местные достопримечательности или отведать кружку бодрящего напитка, у вас перед глазами всегда есть план города с проложенным по нему маршрутом. Оказавшись в тупике, вы просто сверитесь с картой и выйдете обратно на дорогу. Биться же головой о стену и бессильно причитать вам придется лишь тогда, когда вы сами не будете знать, куда идете.
----------
Структура вашей новой композиции может быть сколь угодно простой или сложной, сам план - детальным или схематичным, сюжет - продуманным до мелочей, либо вовсе отсутствовать, однако главное, чтобы вам были известны все составные части произведения, а также порядок их расположения.
Порой кто-нибудь догадывается записать свою идею на магнитофон или даже на ноты, но все это происходит уже после того, как автор приступил к сочинению. Сказать по совести, пользуясь данным методом, я ни разу не достигал результата, который меня полностью удовлетворял. Как правило, все мои песни получались вовсе не такими, какими я их представлял, и были полны сомнительных решений и нелогичных ходов. Когда же я начал записывать идеи на бумагу, то разобрался в природе многих своих неудач.
Записывая свои планы на бумаге, вы, во-первых, отсеиваете все лишнее, а во-вторых, начинаете гораздо лучше представлять то, к чему стремитесь.
Создатели фильмов и книг обычно начинают с синопсиса. У них уже есть веками выработанная схема достижения задуманного. Первое, что они стараются сделать, это пересказать содержание своего будущего произведения в общих чертах, попутно делая сноски и пометки, касающиеся каких-то конкретных идей, которые они хотели бы воплотить.
Музыканты, к сожалению, редко делают этот шаг и из-за этого намного позже начинают ощущать реальные результаты своих усилий.
Если у вас есть идея и приблизительная структура будущей композиции, то не обязательно удовлетворяться именно этой версией плана. Попробуйте копнуть еще глубже и разделить свой проект на вполне определенное количество более-менее однородных частей. Не бойтесь увязнуть в деталях. Если у вас есть внятное представление общей картины, то это практически невозможно.
Уделяя внимание каждой мелочи, вы станете все больше и больше проникаться собственной концепцией. Вам на ум начнут приходить новые идеи и решения, которые подошли бы для данной песни. Не нужно забывать записывать все те интересные мысли, что родились у вас в голове.
Если же ничего подобного не происходит, то либо ваш разум занят в данный момент совершенно другими вещами, либо вы так и не поняли, чего же, собственно, хотите. В последнем случае вам будет лучше вернуться к предыдущему этапу и попытаться вновь определиться со своей целью.
Форма:
Если рассматривать вопрос формы в самых общих чертах, то в основе большинства современных песен легко угадывается последовательность VCVCBC, где V (verse) - куплет, C (chorus) - припев, а B (bridge) - бридж или соло. С точки зрения восприятия это, по всей видимости, наиболее удобная схема. Мудрецы сказывают, что в ее основе лежит принцип золотого сечения. Можно долго спорить так это или нет, но что-то в этой форме определенно есть. Иначе она не была бы настолько популярной вот уже долгие годы.
До нее в популярной музыке были широко распространены последовательности типа VVCV или VCV, однако, со временем они отдали первенство форме VCVCBC.
Если раньше одна часть песни могла перетекать в другую практически незаметно, то теперь едва ли не все строилось на противопоставлении. В разных частях одной и той же композиции накал страстей заметно варьировался. Чтобы объединить все воедино и не превратить песню в набор бессвязных элементов, требовалось некое объединяющее начало, коим стал рефрен или, если угодно, припев.
В результате этого витка эволюции, нынешний стандарт песенной формы стал выглядеть как последовательность VCVCBC, либо ее многочисленные вариации: VCVCVC, VCVCBVC, VCVCC и т.д. Львиная доля современных хитов базируется на этой основе.
Несмотря на то, что слово «куплет» в переводе на русский язык означает «двустишие», на деле в нем может быть куда больше стихотворных строк. Куплет является, по всей видимости, старейшим элементом вокальной композиции, и его история восходит к тем временам, когда музыканты воздавали хвалу богам и сквозь поколения несли славу о подвигах древних героев.
От прочих ключевых частей песни куплет обычно отличается наименьшей насыщенностью и наибольшей смысловой нагрузкой. Фактически каждый куплет, это разные главы одного мини-рассказа. Исполнитель пытается поведать слушателю некую историю или поделиться своими мыслями относительно какого-либо вопроса. Поэтому случаи, когда в двух и более куплетах повторяются одни и те же строчки текста, чрезвычайно редки. Ведь рассказ тем и отличается, что его рассказывают, а не талдычат словно заклинание. Тем более что для этих целей есть такая замечательная вещь как припев.
В хорошей песне припев или, если угодно, рефрен, обычно знаменит тем, что знаменит. Его слова напевают, цитируют и вообще идентифицируют по ним песню. В былые времена припев часто был логическим продолжением куплета и кульминационным моментом композиции. Сейчас эту задачу нередко выполняет бридж или соло. Припев же является неким тезисом или лозунгом, кратко и емко характеризующим основную мысль.
В большинстве случаев припев заметно отличается от куплета. Может произойти смена тональности, изменение ритмических акцентов, ускорение или замедление самого ритма и т.п. Аранжировка зачастую становится насыщеннее и создает ощущение некоего «взрыва». К делу могут подключаться новые инструменты, в то время как старые начинают работать в полную силу.
С эмоциональной точки зрения припев, это получение слушателем удовольствия. Если куплет является подготовкой к чему-то приятному и, в какой-то степени, торжественному, создавая ощущение внутреннего ожидания, то припев является той самой кульминационной точкой, где напряжение достигает пика и превращается в восторг.
Ошибки могут быть разными. Например, слишком долгий куплет может превратить предвкушение в раздражение, и тогда припев будет выглядеть вымученным. Слишком короткий, наоборот, с ходу нахлобучит припев слушателю на голову, и он не успеет ничего осмыслить.
Слишком большой контраст между двумя частями не позволит выявить взаимосвязи, и оба элемента прозвучат как кусочки разных песен склеенных друг с другом. Отсутствие заметного контраста, в свою очередь, рискует не удовлетворить ожиданий. Это будет выглядеть так, будто вам на день рождения долго обещали подарить потрясающее авто, а в итоге вы получили мопед.
После того, как в безраздельное царствование вступили формы типа VCVCBC, бридж стал практически неотъемлемой частью каждой песни. Среди основных структурных сегментов композиции это самый молодой и, вместе с тем, самый загадочный элемент для начинающего сонграйтера.
Проблема в том, что бридж может принимать абсолютно разное обличье, и подавляющая часть композиторов воспринимает его как пустое место между вторым и третьим припевом, которое можно заполнить какой-нибудь чепухой и довести время звучания песни до стандартных радиовещательных 3 минут.
Другой ошибкой является попытка сделать из бриджа просто еще один куплет, отличающийся по музыке от предыдущих. На самом деле, этому элементу присуща своя, вполне определенная роль, и, не понимая его взаимодействия с другими частями песни, вы вряд ли сможете достичь хороших результатов.
Почти всем известно, что в переводе с английского слово "bridge” означает «мост». Для большинства сонграйтеров понимание данного элемента этим и ограничивается. Видя лишь его внешнее проявление, они начинают внедрять его в свои произведения только потому, что «все другие так делают». Многим кажется, что это просто мостик между припевом и припевом. Нужно его более-менее построить, а уж слушатель как-нибудь да пройдет. В результате на свет появляются гибридные музыкальные конструкции, при прослушивании которых приходится собираться с духом и терпеть, когда все это кончится и артист поиграет еще немного нормальной музыки.
Между тем, бридж это кульминационная часть композиции, которую нужно уметь выдержать в четко определенном настроении. Вы как бы поднимаете вопрос в куплете, выражаете свое отношение в припеве, а в бридже закрепляете свою позицию и готовитесь нанести решающий удар.
Если рассматривать бридж с позиции эмоций, то в этой части песни наступает некая отсрочка долгожданного угощения.
Поэтому перед композитором встает несколько хитрых задач.
Во-первых, сделать так, чтобы у публики возникло ощущение, будто ожидаемый рефрен вот-вот настанет и создать ощущение радостного предвкушения. Разумеется, сделать это можно лишь в том случае, если отвлечь внимание слушателя на нечто новое, чего в композиции еще не было. Людей захватывает неизвестность.
Во-вторых, новый фрагмент не должно быть чем-то принципиально иным, поскольку тогда вы рискуете потерять связь с предыдущим материалом. Бридж будет выглядеть инородно и нелогично, словно нечто ужасное внезапно вторглось в хорошую песню и стало тянуть одеяло на себя.
В-третьих, бридж не должен, что называется, «проседать». Учитывайте, что песня достигла наивысшей точки, и вы не можете вдруг все бросить и вернуться к тому настроению, которое было в самом начале. С точки зрения восприятия это будет уже не бридж, а просто очередной куплет, который никак не отражает кульминационный момент в развитии композиции.
Интро:
В полном соответствии со своим именем, эта часть композиции является неким вступлением, настраивающим слушателя на нужный лад перед началом основной части.
Внешний вид интро и средства, к которым вы прибегаете для его сочинения, находятся в прямой зависимости от общего настроения песни. Здесь действуют те же самые психологические законы, что и в обычной жизни, когда вам нужно привести собеседника в соответствующее настроение, дабы добиться его расположения.
... если вы начнете дискуссию «с места в карьер», то рискнете натолкнуться на стену непонимания, а то и резкого неприятия... Человеку нужно определенное время, чтобы настроиться на нужную волну. Особенно в том случае, если в данный момент он настроен на совершенно другую.
Интро же станет тем самым переключателем настроения, который переориентирует его внимание на песню.
Внешне интро всегда выглядит по-разному. Это могут быть какие-то шумы, яркий ритмический рисунок, вступительный рифф или арпеджио, барабанная интерлюдия, речитатив, сэмпл и что угодно еще. В одних случаях в этой роли выступает инструментальная вариация одной из последующих частей композиции (например, пре-хоруса), а в других - некий самостоятельный материал, который больше ни разу не встретится в песне. Бывает, интро длится довольно долго... а иногда занимает не более доли секунд...
В последние годы из-за доступности любой музыки и возросшей потребности быть услышанным на фоне множества конкурентов, появилась тенденция к укорачиванию интро, а то и вовсе к отказу от него.
Зачастую в качестве интро используется припев или его инструментальная часть. Выражаясь маркетинговым языком, все это помогает слушателю «не тратить много времени на ознакомление со всеми преимуществами товара». Песни становятся короче и концентрированнее, и многие продюсеры выдвигают условия, чтобы припев - то есть, наиболее яркая и запоминающаяся часть - начинался не позднее, чем через минуту после начала композиции. Поэтому учитывайте этот факт, если пишете хит для радио.
В красивой музыке все должно быть оправдано. Именно поэтому один из основополагающих принципов великих композиторов минувших эпох звучал примерно так: «все, что необязательно - неприемлемо». На практике это означает, что любой элемент, присутствие которого не сказывается на музыке ни в лучшую, ни в худшую сторону, считается неуместным и должен быть изъят из контекста. Нетрудно догадаться, что это утверждение еще больше справедливо и в отношении тех составляющих, которые музыку явно портят. Их надо уничтожать без раскаяния и сожаления, иначе они, в конце концов, сами уничтожат вашу песню.
Научитесь ставить себя на место слушателя и задаваться вопросом о том, насколько лучше звучит ваша музыка в результате тех или иных изменений. Отвечая на него честно, вы никогда не сочините плохую песню. И уж тем более, плохое интро.
Пре-хорус:
«Пре-хорус» дословно переводится на русский язык как «до-припев». То есть, «нечто, находящееся перед припевом». Обычно это нечто служит связующим звеном между двумя элементами (чаще всего между куплетом и припевом или бриджем и припевом) и используется для пущего обострения обстановки. В этом смысле пре-хорус фактически выполняет функцию бриджа, но только в меньших масштабах.
Гармонически пре-хорус очень часто отличается от куплета. Он редко уходит в другую тональность, но и не слишком любит начинаться с тонического аккорда. Обусловлено это обычно либо все тем же принципом контраста, либо не менее важным принципом гармоничности.
В детстве почти все из нас состязались с друзьями в игре под названием «кто вреднее». Кто-нибудь отнимал у приятеля калькулятор или кепку, высовывал руку в окно и грозился разжать пальцы на счет «три». Далее следовал счет: «один, два.», после чего наступал самый любимый момент всех вредин: «два с половиной, два с хвостиком, два с бегемотиком.» Тот бедняга, чья вещь в данный момент болталась над бездной, испытывал наиболее противоречивые и мучительные эмоции.
Если перенести этот случай на песню и ее составные элементы, то будут работать похожие закономерности. «Один» и «два», это куплет. «Три» - припев. А «два с чем бы то ни было» - самый натуральный пре-хорус.
Финал:
В наше время большинство песен обычно не заканчиваются ничем. То есть, они заканчиваются последним припевом, после которого резко наступает привычная тишина двухсекундной паузы между треками. Скорее всего, виновато в этом все то же повальное стремление современных сонграйтеров к краткости, а также жесткая и беспощадная коммерциализация музыки и порабощение ее радиоформатом. В конце-концов, если резко оборвать песню на самом интересном месте, слушателю интуитивно захочется допеть ее в уме. Получится, что песня уже давно закончилась и сменилась на другую, а в голове засела все та же цепкая мелодия, которую волей-неволей мы продолжаем прокручивать снова и снова.
В былые времена что классические, что популярные композиторы были к слушателям более милосердны. Конечно, и раньше были песни, заканчивающиеся резко и агрессивно, но их было не так много по сравнению с композициями, завершающимися аутро.
Фактически, интро и аутро представляют собой обрамление музыкального произведения.
Впрочем, вернемся к аутро. Если рассматривать эту часть музыкального произведения с позиции современного коммерческого сонграйтера, то от нее, по большому счету, никакой пользы нет.
Но если вы принадлежите к тому типу композиторов, которые все еще думают о музыке в масштабах полноразмерных альбомов, то аутро может вам все-таки понадобиться.
Если вы просто хотите, что называется, вывести слушателя из игры, то используйте менее насыщенный и не столь эмоциональный музыкальный фрагмент. Для этой цели может сгодиться и уже использовавшееся для разгона интро, и инструментальная часть припева, и какой-либо другой фрагмент, использовавшийся в композиции, который хорошо ложится в канву. В конце концов, вы можете сочинить оригинальный музыкальный материал. Либо, если речь идет о концептуальном труде, позаимствовать лейтмотив всего альбома или тему из следующий композиции.
Ударные и Мелодия:
Если передо мной стоит задача написать поп или рок-песню с четкой опорой на ритм, я сперва делаю несложную барабанную секвенцию, размножаю ее, а затем приступаю к сочинению мелодии и баса. Если же на повестке дня стоит классика или эмбиент, барабаны будут скорее мешать и отвлекать внимание. Поэтому в данном случае лучше будет начать сразу с мелодической линии, а ритм добавить уже потом.
В ходе создания музыкального эскиза я всегда стараюсь сделать работу на одной волне. Даже если какие-то элементы получаются поначалу слишком схематичными и непродуманными, я не пытаюсь безотлагательно довести их до совершенства.
Главное дойти до конца и не потерять нить повествования. Сперва нужно хотя бы примерно набросать общую картину, а потом уже можно и вносить поправки.
Бывает, я пробегаюсь по песне и «рисую» несколько составных элементов, а для прочих лишь оставляю место. Затем делаю новый круг, потом еще один, и продолжаю до тех пор, пока у меня не будет крепкого фундамента из ритма, баса и мелодии.
Вопреки расхожему мнению, сочинить хорошую мелодию не так уж сложно. Если вы слушаете достаточно много музыки и искренне ею интересуетесь, то можете писать мелодии тысячами. Здесь, как с письмом или устной речью - чем больше пишешь или разговариваешь, тем лучше понимаешь как это делается. Проблема лишь в том, что далеко не всегда удается написать финальный вариант мелодии сразу.
У вас может быть несколько нот, на которые точно можно опереться, но по поводу остальных, возможно, придется изрядно поразмышлять.
Когда я сочиняю мелодию, то нередко записываю ее в том самом виде, в котором она пришла в голову.
Набросав, пусть не идеальную, но цельную последовательность нот, вы сможете лучше представлять себе общую картину. А когда появляется возможность оценить вещь целиком, то и мелочи начинают вырисовываться сами собой.
Ритм:
Ритм, по сути, базируется на двух основных составляющих: темп и движение.
Существует масса мнений относительно того, какие числовые значения лучше подходят для ню-металла, поп-рока или R'n'B, почему медленные и быстрые вещи лучше делать в четных темпах, а размеренные в нечетных... но все это не более, чем удачные примеры из опыта отдельных личностей, и их вряд ли можно считать универсальными.
На мой взгляд, единственный беспроигрышный способ проверить насколько тот или иной темп подходит для данной композиции - ориентироваться на собственные ощущения. Встаньте на место слушателя, попробуйте подвигаться в этом темпе, потанцевать. Когда ваши ощущения будут максимально комфортными, а движение станет наиболее органичным и естественным в контексте данной музыки, то, стало быть, вы нашли нужный вам темп.
Движение ритма, в свою очередь, напрямую зависит от перкуссионного рисунка. На свете есть тысячи различных ритмов, родившихся во всех точках планеты. Под одни можно водить хороводы, под другие - танцевать румбу. В одном и том же темпе можно записывать нью-эйдж, транс или кантри, и в каждом отдельном случае движение будет разным.
Бас:
в музыке басовый голос является тем самым промежуточным элементом, который позволяет органично сосуществовать ритму и мелодии. Если рассматривать ритм как фундамент, а мелодию как дом, стоящий на оном, то бас будет цементом, скрепляющим их воедино. Пусть он зачастую не слишком заметен, но попробуйте построить кирпичный дом без использования цемента - долго ли он у вас простоит?
Мой опыт композиторской деятельности давно приучил меня бережно и очень уважительно относиться к басу. Благодаря грамотному использованию басового голоса на свет рождаются все те восхитительные моменты, от которых сердце замирает, а тело покрывается мурашками.
Вы можете сочинить не самую лучшую мелодию или «провалить» аранжировку, но если с басом все будет в порядке - песня как-нибудь да срастется.
Говоря о фундаментальной функции баса нужно в первую очередь отметить, что он является тем самым элементом, который определяет гармонию. Ведь не случайно название каждого аккорда происходит от имени его басовой ноты. Это - ваш ориентир в сложном мире музыкальной гармонии.
Еще одной важнейшей задачей баса является ритмическая функция. Являясь связующим звеном между мелодией и ритмом, басовому голосу приходится одновременно работать на два фронта. С одной стороны нужно умело подчеркивать ритмическое движение, а с другой не идти вразрез с остальными голосами.
Вначале - ноты, или стихи:
Довольно часто мне приходится слышать следующий вопрос: «С чего начать лучше? С музыки или текста?»
Здесь трудно дать однозначный ответ. Современные сонграйтеры пользуются как первым, так и вторым способом. Одни сочиняют стихи, либо берут готовые тексты, а потом перекладывают на музыку. Другие делают музыкальный материал и только после этого начинают озадачиваться словами и фразами.
Сперва я делаю план, и примерно пытаюсь представить, о чем будет петься в том или ином фрагменте. В большинстве случаев я не пишу заранее никаких стихотворных строф, если они, конечно, вдруг сами не приходят в голову. Обычно пометки напоминают вольный пересказ содержания будущего текста. Строк может быть много, а может и одна. Здесь важно не количество написанного, а его смысл. Все это делается для того, чтобы уловить настроение будущей композиции, проникнуться ее атмосферой.
Далее наступает время создания музыкального эскиза. И вот, когда в моем распоряжении есть готовая основа для новой песни, можно смело писать текст.
Драматургическая оправданность:
Тесно соприкоснувшись с классической музыкой и, в особенности, с оперой, я довольно быстро проникся мыслью об уместности выразительных средств. В классике все четко подчинено главной идее, и каждый инструмент, прием или оркестровый эффект применяется лишь тогда, когда этого требуют обстоятельства. Редкий человек откажется признать, что челеста в «Танце Феи Драже» звучит просто восхитительно. И Петр Ильич Чайковский, безусловно, сделал ставку на замечательный инструмент. Тем не менее, в «Вальсе Цветов» он почему-то решил обойтись другими оркестровыми красками, равно как и во многих других номерах балета «Щелкунчик». С чего бы это?
Все очень просто. Фея - загадочное и хрупкое создание. Нежные колокольчики челесты идеально подходят для того, чтобы описать ее именно такой. Цветы, в свою очередь, вполне материальны. В них нет загадки, зато есть легкость, красота и возвышенность. Челеста не сможет в полной мере передать это настроение. Со своим потусторонним тембром она будет звучать странно и нелогично. Однако струнная секция - другое дело. В ней есть и стремительность, и легкость, и размах. Именно ее композитор и вывел на первый план в «Вальсе Цветов». Стоит ли после этого сомневаться в правильности решений Петра Ильича?
Подавляющее большинство его коллег подходили к делу точно так же. Если в опере шла речь о простом сельском парне, лейтмотив нередко поручали играть гобою - прототипом которого был обычный пастуший рожок. Сцена охоты практически никогда не обходилась без валторны, чье название, в переводе с немецкого языка, означает ни что иное как «лесной рог». Водопады и ручьи часто иллюстрировались при помощи арфы, звонкие переливы которой похожи на журчание воды. С лейтмотивом сварливой старухи прекрасно справлялся скрипучий фагот, заклинатель змей ассоциировался с кларнетом, вояка выходил в зал под дробь малого барабана или звук фанфар, а дикари танцевали вокруг костра вместе с ритмом бубнов и трещоток.
Для каждого сюжета находились свои выразительные средства, благодаря которым идею удавалось передать максимально полно и достоверно. Буквально все, начиная от грохота бас-барабана и заканчивая еле слышным выдохом флейты, было задействовано в создании необходимой атмосферы.
Любой нелогичный ход, каким бы эффектным он ни был, вносил диссонанс в общую картину и ставил под сомнение достоверность созданного мира. Вдумчивое и обоснованное использование выразительных средств, наоборот, привносило в произведение целую гамму новых оттенков и эмоций.
Перед тем, как приступить к превращению черновика в полноценный музыкальный трек, я пытаюсь представить себе сюжет или ситуацию, в которых звучание данной композиции было бы наиболее органичным. Раньше я находил на дисках или в интернете соответствующие картинки, смотрел на них и проникался атмосферой. Впоследствии научился вырабатывать яркие мысленные образы. А сейчас они вообще приходят в голову автоматически, лишь только возникнет такая надобность.
Все это позволяет заранее прикоснуться к завершенному произведению и определить, какие инструменты и звуки подойдут для него наилучшим образом.
Запись:
Определившись и примерно представив к чему нужно стремиться, можно брать в руки инструмент и начинать натягивать на наш каркас одежку из звуков и нот. Здесь у каждого своя техника. Одни мои знакомые металлисты начинают напиливать в две гитары под записанный барабанный ритм, после чего подключают к делу басиста. Некоторые группы джемуют в полном составе - одному богу известно, каким образом у них в результате рождается внятная музыка... Кто-то сидит в одиночестве и поочередно наигрывает партию каждого инструмента на синтезаторе или напевает голосом, после чего просит музыкантов сыграть ее на своем инструменте. А кто-то тыркает мышкой по нотам в секвенсере, попутно записывая что-то собственными силами - мой любимый способ.
Работа в коллективе:
Вариант, когда в коллективе существует один центральный персонаж, являющийся носителем основной творческой идеи, пока что является наиболее жизнеспособным. Что касается масштабов его вклада в творчество, то его величина, в большинстве случаев, варьируется от 50 до 100%. Говоря проще, от дипломатичного менеджера до бескомпромиссного диктатора.
По своему личному опыту могу сказать, что сам я добивался наиболее значимых результатов именно в тех случаях, когда показатель был близок к значению 100.
Наблюдения:
в таком деле, как сочинение музыки, важно сначала научиться хорошо слушать. А также делать это часто и с удовольствием. Даже если вас воротит от всех стилей музыки кроме, скажем, мюзикла, вам вовсе необязательно с утра до вечера гонять в плеере одного только «Иисуса-Христа Суперзвезду». Слушайте все мюзиклы, какие только сможете найти. Старые, новые, грустные, веселые, американские, канадские, австрийские, русские. Попробуйте найти для себя что-то интересное в похожих жанрах вроде оперетты или саундтреков к мультфильмам и музыкальным фильмам. Слушайте не просто ради удовольствия. Пытайтесь понять за счет чего данная музыка звучит так, как звучит. Что является главным, а что второстепенным? Повышайте свой композиторский лексикон.
Ищите взаимосвязь музыки между сюжетом и действием. Если вам попался какой-то интересный ход, то не поленитесь подумать с какой именно стати этот фрагмент находится на данном месте и почему так удачно вписывается в общую картину. Старайтесь разобраться в нюансах и никогда не забывайте о деталях.
Детализация и нюансировка в творчестве, безусловно, важна. Это признак профессионализма и глубокого понимания того, что же все-таки ты творишь. Но когда музыкант с головой уходит в мелочи, сосредотачивается исключительно на форме и забывает об основной идее, все усилия идут насмарку. В результате мы вновь приходим к единственной главное истине... Всегда знайте и понимайте, что вы делаете. И старайтесь максимально полно раскрыть именно этот замысел. Детализируйте свои произведения настолько тщательно, насколько того требует концепция. Так вы сможете полнее и ярче воплотить свою идею в жизнь.
Гениальные писатели, художники и режиссеры всегда знают о том, насколько важна роль всяких, казалось бы, незначительных мелочей для достижения достоверности. Поэтому их творения пестрят едва заметными ремарками и крошечными деталями. Любой опытный врун, буде вам удастся вызвать его на откровенность, подтвердит, что одним из обязательных качеств блистательной лжи являются сопутствующие подробности. Но никогда не отрывайтесь от земли. Иначе из хорошего рассказчика вы станете обычным вруном. Из живописца - декоратором. Из писателя - писакой. А из композитора - мелким воришкой ярких музыкальных лоскутков.
Время:
Первое, на что нужно обратить внимание, это время. Его должно быть много или, по крайней мере, достаточно.
Лично я могу полноценно отдаться творческому процессу лишь в том случае, если у меня в запасе будет не менее 6-8 часов. Вполне возможно, что я справлюсь с работой гораздо быстрее и уже через 2 часа буду иметь на руках более-менее приемлемый результат. Но может статься, не хватит даже этого времени. Был случай, когда я потратил более 4 часов только на то, чтобы найти подходящий звук в библиотеке сэмплов. В том случае, если я не могу позволить себе потратить на музыку более 4 часов, я либо вообще не берусь за дело, либо заранее определяю некий ограниченный отрезок работ. Скажем, подобрать бит, записать гитару, довести до ума текст, слегка доработать мелодию и т.п. Для того чтобы максимально эффективно воплотить в жизнь свой замысел, нужно слиться с ним воедино. А это невозможно без высшей степени концентрации. Когда вас ничего не отвлекает, голова не забита бытовыми проблемами или нерешенными вопросами, вы можете общаться со своей идеей тет-а-тет. В таком состоянии вы уже фактически обладаете тем, что вам еще только предстоит сочинить. Это очень похоже на транс. В нем можно задержаться на долгое время, пробудившись лишь от какого-то внешнего раздражителя, либо уже по завершении работы. Бывало, я так на многие часы выпадал из реальности, начисто забывая о еде, питье и всех прочих человеческих потребностях.
В этой связи не менее важно постоянно держать свои инструменты в рабочем состоянии. Нет ничего хуже полумертвых шнуров, зависающего компьютера или заикающихся наушников. Одно дело - подтянуть пару струн на гитаре во время записи, и совсем другое - бороться с непредсказуемыми капризами кое-как установленных программ. Если ваше рабочее место представляет собой царство хаоса, то сначала потрудитесь привести его в пристойный вид.
2201
32
Шучу беззлобно))))) надеюсь и на Ваше адекватное ЧЮ 
За подсказку искренне благодарю. Проделанная работа, на самом деле, не такая уж и большая. В основном это не набор, а копирование и редактирование необходимых частей. Есть у меня привычка конспектировать и сохранять многие полезные вещи. Так проще вернуться к самой сути необходимой информации. Иногда, просто записываю тезисами, иногда, сохраняю целыми абзацами. В любом случае, такой подход меня не раз выручал в жизни. Совсем недавно, специально пробегался по разным спорным площадкам, например здесь: 
))))) Если меня поняли иначе, то это в меру интеллекта конкретного индивида))) Можно было привести кучу других примеров, как подобные слова пишут на нашем сайте ::: "в_торопях", "в_кратце", "в_притык", "в_захлеб", "в_присядку", "на_последок", "на_перебой", "на_перегонки", "в_далеке", "без_ответно", "на_искосок", "в_плоть", "в_проголодь", "в_добавок"...... и протчая и протчая, в общем, сумасдуреть, ггггггггг 
) давала нам проверять сочинения друг друга и заставляла обосновывать потом перед проверяемым свои исправления и выставленные оценки. Можешь уже, наверно, догадаться, к кому больше половины класса приставало с разными вопросами по этому предмету 
))))))) Наши троечники по русскому спокойно могли идти работать корректорами в издательства,
Да что там говорить о мелких ошибках, когда, не скрою, специально ВСЕГДА использую в браузере плагин проверки правописания. И поверь, при быстром наборе текста, добрая половина подчёркнута красным! 
Комментарии могут оставлять только зарегистрированные пользователи, активировавшие аккаунт!
